La page poésie d'Odile : la 300 ème

5 Février 2016 , Rédigé par verdon-info Publié dans #Image et poésie

Les principaux courants picturaux (à prendre avec précautions) sont généralement:

le Gothique, la Renaissance, le Maniérisme, le Caravagisme, le Baroque, le Classicisme, le Rococo, le Néo classicisme, le Romantisme, l'Orientalisme, les Préraphaélites, l'école de Barbizon, le Réalisme, l'Impressionnisme, le Cubisme, le Fauvisme, le Futurisme, l'Expressionnisme, la peinture Métaphysique, le Surréalisme. Voici quelques détails sur les courants choisis dans la page de la 300ème. (Sources: Wikipedia)

LA RENAISSANCE

Le courant Renaissance couvre une période longue de deux siècles durant lesquels la peinture s’exprime différemment selon la région, l’école picturale ou encore le contexte politico-social. Ce vaste mouvement est généralement divisé en trois périodes : la première renaissance (1400 - 1500), la renaissance classique (1500 - 1520) et le maniérisme (1520 - 1600). Le nouveau style s’impose d’abord en Italie dès le XVe siècle. Dans le reste de l’Europe le gothique international continue à prospérer mais les grands bouleversements sociaux, politiques et scientifiques obligeront l’art à proposer de nouveaux moyens d’expression afin d’établir un langage pictural représentatif d’une époque où les mentalités et les points de vue ont radicalement évolué par rapport au moyen âge.

Quelques peintres de la Renaissance: De Vinci, Raphaël, Botticelli, Van Eyck etc.

LE CLASSICISME

Le classicisme caractérise l'école de peinture française du XVIIème siècle. En réponse aux extravagances du baroque, le mouvement s'inspire des maîtres de la renaissance classique et devient un langage pictural au service de la monarchie absolue. Le classicisme puise ses racines en Italie dans le travail d’Annibal Carrache qui, à l’opposé de Caravage, renoue avec la tradition classique de la renaissance. Désireux de revenir à une peinture débarrassée des futilités de l’épisode maniériste, Carrache revient aux influences de l’antiquité et à une conception idéalisée de la beauté qu’il étend au genre du paysage. Contrairement au baroque qui recherche le débordement et le mouvement, le classicisme offre une composition claire et ordonnée dans laquelle le massage s’énonce de manière évidente et sans détour. La composition est souvent fermée, c'est-à-dire que la scène est entièrement contenue à l'intérieur du cadre, contrairement à la composition ouverte du style baroque dans laquelle motifs et personnages sortent de la surface de la toile. La mise en page préfère la construction selon des lignes verticales ou horizontales, ce qui donne à l'image un aspect serein et rigoureux.

Parmi les peintres du Classicisme nous trouvons: Poussin, Carrache, De La Tour, Le Sueur, Le Brun, Rubens etc.

L'IMPRESSIONISME

Avec leur volonté de représenter le motif en fonction de la lumière et de ses effets, les impressionnistes remettent en question les principes artistiques qui définissaient jusqu’alors la représentation picturale. L’impressionnisme ne cherche pas le sens mais la forme, qu’il réinvente en peignant l’instant selon les lois scientifiques de la perception visuelle, en utilisant la couleur comme seul outil de composition. Un groupe dissident: Des artistes, en marge de l’art officiel de la seconde moitié du XIXème siècle, créent en 1863 le Salon des refusés, qui rassemblent les peintures qui ne sont pas admises au salon officiel. Principal vecteur entre les artistes et le public, le Salon officiel permettait la célébrité et l’accès au marché de l’art aux peintres qui respectaient les conventions académiques de l’époque. En plus du Salon des refusés, le groupe qui deviendra bientôt connu sous le terme d’impressionniste (nom attribué de manière péjorative par un critique d’art regardant le tableau de Monet "Impression, soleil levant") décide d’organiser des expositions indépendantes. L’académie crie au scandale et les critiques attaquent avec violence le style présenté par le groupe. Néanmoins les cercles cultivés et intellectuels adhèrent rapidement à cette peinture nouvelle, à sa texture brute et épaisse, à son rendu “non fini“ qui s’attache à traduire une impression plutôt qu’à rechercher la perfection réaliste du dessin.

Les peintres impressionnistes sont légion: Renoir, Pissaro, Manet, Monet, Sisley etc.

LE CUBISME

Après Cézanne Cézanne remet en question la perception en perspective issue de la Renaissance Italienne. Il déforme les volumes et les plans, quitte à créer de « fausses perspectives ». Dans ses natures mortes, on peut observer simultanément différents points de vue et des décalages de plans. Par exemple, la table est montrée vue du dessus, alors que les fruits sont représentés vus de face. Il n’hésite pas à s’éloigner de la « justesse » du dessin, et à déformer les choses, si cela peut servir sa composition et mettre en valeur tel ou tel contraste qui l’intéresse, ou s’il veut mettre en avant une forme particulière. Il aboutit aussi dans ses compositions à une grande simplification des formes et des surfaces colorées, de plus en plus géométriques, qui s’éloignent de la représentation réaliste de la peinture classique. Suivant la voie ainsi ouverte, Georges Braque et Pablo Picasso, les premiers, ont la volonté de représenter l’objet tel qu’il est, dans sa globalité, dans son intégralité, et non tel qu’on le voit de manière directe, c’est-à-dire du seul point de vue de notre œil. Il y a donc une rupture radicale avec la représentation perspective à point de fuite de la Renaissance qui présente la scène de manière réaliste à partir d’un point de vue unique qui correspond à celui de notre regard. Les cubistes veulent montrer ce qui fait l’essence d’une chose, la montrer dans son intégralité. Ils veulent montrer tout ce qui peut caractériser une forme, même si dans la réalité, on ne peut pas le percevoir simultanément. Par exemple, ce qui caractérise une tasse, c’est l'anse que l’on voit quand on l’observe de face, l’ellipse qui se dessine quand on la regarde d’au-dessus, et la forme du récipient lui-même vu de profil.

Les principaux peintres cubistes sont Picasso, Braque, Delaunay, Gris, Léger etc.

LE SURREALISME

Au début du siècle, Le surréalisme s’inspire des théories psychanalytiques de Freud fascine nombre d’intellectuels. À travers une exploration de l’inconscient et l’interprétation des rêves, les surréalistes proposent des images de mondes poétiques empreintes d’une atmosphère énigmatique. Cette nouvelle approche de la personnalité de l’individu et de l’être ouvre de nouvelles perspectives aux artistes qui voient à travers la création artistique une excellente manière d’explorer davantage ce monde énigmatique et intérieur qu’est le MOI. Mais les surréalistes ne cherchent pas à interpréter les rêves ou l’inconscient. Ils les révèlent esthétiquement. C’est une sorte de création du rêve à travers la peinture. D’ailleurs, les artistes de ce mouvement tentent de se mettre en état de rêve pour créer. Leurs tableaux sont une expression du fonctionnement de la pensée.

Les peintres surréalistes les plus connus sont Dali, Ernst, Miro, Magritte etc.

Pour accompagner ces oeuvres très variées et les courants différents qui sont représentés, je vous propose Les Variations Goldberg de Jean-Sébastien Bach. Voici l'anecdote citée sur Youtube à propos de la composition de ce morceau: Elles (les Variations) furent commandées à Bach par le comte Keyserling, grand amateur de musique et protecteur du claveciniste Johann Gottlieb Goldberg, afin de résoudre ses problèmes d'insomnie. Bach décida alors de composer une œuvre qui, sous les doigts du talentueux Goldberg, serait susceptible d’apaiser les nuits de l’amateur de musique"

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